Ex libris di Veselin Damyanov-Ves

La guerra? Niente altro che uno strumento, uno dei tanti, della politica. Così sostenevano quanti vedevano nello scoppio del primo conflitto mondiale un potenziale di crescita degli interessi di ogni singolo Stato nella definizione di un nuovo equilibrio tra le potenze europee e mondiali. Un conflitto, del resto, che nella percezione di quanti l’auspicavano sarebbe stato breve e foriero di gloria.

Ex libris di Max Kefferstein

Questi furono dunque i valori e le aspettative rappresentate inizialmente in quei primi anni del secolo mentre ci si avvicinava al conflitto ma, come ben sappiamo, non fu certo quella la realtà. Passarono settimane, mesi, anni, prima furono decine, poi centinaia, per arrivare a milioni di morti e altri milioni di feriti. Oltre alle distruzioni, alla fame, al dolore, agli stenti, alle privazioni non solo dei soldati al fronte ma anche dei civili, delle donne, dei bambini, degli anziani rimasti a casa.

Ex libris di Richard Preusse

Dunque la guerra come strumento dei potenti, di chi governava e dei loro servi alla ricerca di visibilità. Figure come Gabriele D’Annunzio, capaci di esaltare restando al sicuro nelle retrovie il valore dello scontro, del sacrificio, della gloriosa morte, volando nei cieli sopra Fiume badando di restare sopra il livello di fuoco dell’artiglieria nemica fuori pericolo, minacciando  i soldati che rifiutavano di attraversare i ponti esposti al fuoco impietoso delle mitragliatrici che non lasciavano scampo.

Ex libris di Adolf Kunst

Certo, lentamente, anche nelle rappresentazioni della realtà proposte dall’arte, scomparve ogni tipo di retorica, vennero meno le ambizioni di potenza e si fece prevalente quella di arrivare prima possibile alla fine del macello. Arrivato il tempo della pace milioni di sopravvissuti si rialzarono in piedi, pronti ad affrontare difficoltà e sacrifici con la speranza di un domani migliore per la loro vita e per quella dei loro figli.

Ex libris di Robert Budzinski

Purtroppo non andò come la gente del popolo, la gente che non ha potere voleva e sperava. In fondo come disse Winston Churchill in realtà quella pace che concludeva la Grande Guerra in realtà non fu altro che un lungo armistizio in attesa di un altro grande macello voluto ancora una volta da chi gestiva la vita della gente dall’alto d’una torre d’avorio basata sul potere dei pochi rispetto ai tanti.

Ex libris di Louis Titz

Un passato che non deve tornare ma occorre attenzione: la contrapposizione ideologica ed esistenziale tra capitalismo e comunismo, tra populismo e democrazia rappresentativa, tra benessere di un mondo (quello ‘occidentale’) e popolazioni in fuga dalle guerre, dalle dittature, dalla fame, potrebbero riportarci agli orrori ben rappresentati dall’interessante mostra in corso presso la galleria d’arte Biffi di via Chiapponi a Piacenza fino al 10 febbraio.

Ex libris di Adolf Kunst

In mostra negli spazi dell’Antico Nevaio (il piano sotterraneo della galleria) troviamo infatti una eccezionale collezione (a cura di Claudio Stacchi, Luigi Bergomi e Giuseppe Cauti) di 150 ex libris su temi ispirati al primo conflitto mondiale: un corpus esemplare di piccola grafica in cui, fatto rarissimo, possiamo vedere la rappresentazione della vita di quegli anni cruciali.

Ex libris di Josep Triadò I Mayol

In altre parole, una occasione per ricordare che la guerra, ogni guerra, anche quella condotta senza armi ma basando sulla costruzione di muri che dividono, diventa una cicatrice profonda, una ferita che resta infetta, che presto o tardi ripresenta il conto dell’odio.

Ex libris di Josef Vàchal

Angel, di Jean Michel Basquiat

Ultimo giorno per una visita (gratuita dalle 14.30) a Piacenza Expo dove è allestita la mostra #Street, prima Biennale della Street Art e delle Visioni Metropolitane, curata dal Prof. Giorgio Gregorio Grasso.

Riot, di Jean Michel Basquiat

Imperdibili le due stupende tele di Basquiat, re della street art quindi, a seguire, si ammirano artisti emergenti, compresi diversi locali, da Giuseppe Tirelli ad Elisabetta Falsetti a Diego Maria Gradali.

Dream, tecnica mista su tela di Anna Maria Falsetti

Mille metri quadrati di esposizione con nella prima parte opere capaci di interpretare le tensioni, le vitalità, le opportunità dell’esistenza metropolitana contemporanea e nella seconda parte del padiglione invece si esprimono con live performance alcuni tra i più importanti street artist italiani.

Il giaguaro, l’animale sacro nella mitologia Maya, opera di Tiziana Sanna

Opera di Rocco Loparco

Oggi un pubblico attento comincia a comprendere il valore espressivo ed estetico di questa forma d’arte, restituendo piena dignità e conferendo agli artisti più apprezzati incarichi di assoluto prestigio, in dimore private, hotel, spazi pubblici.

Opera di Tiziana Tardito

Questa piccola esposizione dunque fissa un preciso momento, attraverso artisti riconosciuti,  affinché, sostengono gli organizzatori, resti nella storia di Piacenza che la street art insieme alle visioni metropolitane, sono state ospitate, spiegate, celebrate e catalogate.

Opera di Orlando Tocco

 Piacenza Expo si propone dunque come luogo espositivo privilegiato per queste forme di espressione artistica e la visita è consigliabile sia per la visione delle opere sia per l’eventuale acquisto.

Nel sogno, acrilico su tela, di Carla Pistola: Sogno un mondo fantastico / Senza sbavature, / Dove la musica suona / La speranza canta soave / E la vita / Respira

Un solo rammarico: la mostra avrebbe meritato un maggior respiro ed una durata adeguata alla qualità e all’interesse che vanno ben oltre l’ambito territoriale piacentino. In pratica si vorrebbe che, dopo la storicizzazione della street art, si storicizzasse anche la mostra, partendo dalla realizzazione di un catalogo che degnamente rappresenti opere e artisti consegnandoli alla memoria dei posteri.

Donna, opera di Claudio Lai

Un invito e un impegno per il 2020 rivolto alle principali istituzioni attualmente impegnate, nell’assordante assenza degli enti locali, nel campo dell’arte sovvenzioni alla mano: banche in prima fila.

Volto metropolitano, di Giulio Giannotta

Immagine di Marco Rigamonti

Una mostra curiosa e interessante che ben si integra con i colori, la musica, lo spirito delle feste di fine anno. Apparentemente incontro minore con l’arte rispetto all’esposizione contemporanea nelle stesse sale dei dipinti di Armodio (artista che quota 1500 euro per un bozzetto a matita e via via arriva a sfiorare i 20mila euro per un dipinto ad olio), presenta un livello di curiosità e simpatia di sicuro impatto.

Immagine di Marco Rigamonti

Marco Rigamonti l’ospite che ci accoglie con le immagini strappate nelle strade secondarie delle campagne emiliane dove ancora sopravvive la tradizione di realizzare presepi nelle aie, nelle fattorie, direttamente nei campi, nelle aziende agricole.

Immagine di Marco Rigamonti

Presepi bizzarri ma sempre molto rappresentativi, inseriti in paesaggi di grande suggestione attraverso i quali spesso transitiamo senza soffermarci ad ammirarli come meriterebbero. Ce ne offre l’occasione questa piccola raccolta di immagini allestita in via Chiapponi, negli spazi di Biffi Arte, con ingresso gratuito da martedì a sabato dalle 10.30 alle 12.30 e dalle 16.00 alle 19.30 (domenica dalle 15.00 alle 19.00).

Immagine di Marco Rigamonti

Un’immersione nella rappresentazione popolare della spiritualità tipica del Natale che racchiude in sé il senso religioso e la devozione tipici delle persone umili e semplici. Qualcosa che in realtà possiamo anche ammirare dal vero in alcuni luoghi della provincia. Così ai Bersani di Gropparello, dove troviamo un presepe ‘diffuso’ nel piccolo paese e addirittura lungo la tangenziale cittadina dove da anni, a fianco, viene allestito un presepe su un carro visibile da quanti sfrecciano in automobile all’inseguimento di una modernità che sembra aver smarrito il senso del nostro vissuto e della nostra storia.

Immagine di Marco Rigamonti

L’ingresso della realizzazione architettonica detta il Labirinto della Masone (o l’uscita, dipende dall’interpretazione soggettiva ma attenzione: se si sceglie d’entrare non riesci ad uscire e se esci per entrare quantomeno ti devi voltare)

In attesa della mostra che a Palazzo Farnese ci porterà all’interno dell’avventura del condottiero Annibale, eccoci a raccogliere l’invito a Fontanellato (Pr) in un luogo che si preannuncia suggestivo e genera curiosità già nel nome, il “Labirinto della Masone“. Una mostra di libri illustrati da grandi artisti dell’Ottocento e del Novecento, a poca distanza dalla Rocca Sanvitale, il maniero che svetta in paese. Venti tranquilli minuti d’autostrada fino a Fidenza, dopodiché ci si affida al navigatore (che, se non esistesse, saremmo persi, peggio d’un labirinto, per l’appunto) per farci portare in aperta campagna e, quando ormai si pensa che il satellite là in alto nello spazio abbia bevuto, grazie al cielo incrociamo un anziano a passeggio col cane. “Il labirinto? Andate sempre dritto e dopo quelle due case che si vedono a trecento metri, c’arrivate dritti dritti“.

L’intera realizzazione: il labirinto con la centro la piramide. In basso l’area cortilizia con il ristorante e, sulla destra, l’ingresso per la biglietteria e le mostre

Piuttosto perplessi proseguiamo, chiedendoci come può essere che una mostra sia in un ‘semplice’ casolare di campagna ma, passate le due case coloniche, una a destra e una a sinistra della strada, fatti un altro centinaio di metri, ecco apparire alla nostra destra un lungo diciamo cespuglio di strane piante (scopriremo che si tratta di bambù) che nasconde una realizzazione diciamo … degna di attenzione. Con nascosti, dietro alle foglie, un pullman e parcheggi a destra e sinistra con almeno un centinaio di auto dove, considerato il carattere comunque èlitario della mostra, ci saremmo aspettati non più di una decina massimo venti persone.

Una sala dedicata all’epoca napoleonica (mostra permanente)

Invece ci ritroviamo nel bel mezzo di un luogo realizzato per eventi molteplici che potrebbero permetterti di passare l’intera giornata. Bar, ristorante, emporio sono nel primo cortile oltre, sulla destra, l’ingresso per la biglietteria e la salita al piano superiore per la mostra temporanea oltre alle sale con la collezione d’arte e i libri pubblicati (diversi ormai introvabili) da Franco Maria Ricci nel corso della sua filantropica carriera d’editore de luxe (difficile trovarne uno che costi meno di 80 euri).

Sempre a proposito di labirinti: il ballo del minotauro

Del resoconto della visita alla mostra temporanea già si è dato cenno nel post di domenica, qui si riporta qualche immagine della collezione peraltro non potendo tacere dell’esorbitante costo del biglietto d’ingresso: € 18,00 a persona che sono veramente un botto. Fermo restando che, data la vicinanza col Natale, il botto è con lo sconto, il danno si limita a € 10,00 salvo domandarci se il prezzo intero comprenda anche il passaggio oltre il primo cortile, laddove ci si avventura (e magari ci si smarrisce) nel labirinto (il più grande del mondo realizzato con piante di bambù) per arrivare ad una costruzione a piramide (forse l’81enne Franco Maria Ricci si sogna Faraone ed ha messo le mani avanti per quando sorella Morte busserà alla sua porta?).

Nel medioevo molti labirinti sono presenti intorno alle chiese some simbolo del cammino verso Dio

Sono più di venti le specie di bambù che sono presenti, provenienti da un ricchissimo vivaio francese. Ma perché il bambù? Capriccio intellettuale dell’eccentrico editore parmigiano? Maccchè, la scelta è ricaduta sul bambù perché, ci spiegano, secondo Ricci si tratta di una pianta meravigliosa: cresce veloce, non si ammala, non teme il freddo e assorbe moltissima anidride carbonica. E in più è raffinata. Nel 2004 ecco qui a Fontanellato le prime piante e nel 2006 il labirinto era bello pronto. Quanto invece al senso del labirinto, che dire? Secondo Roland Barthes il labirinto ha la forma tipica dell’incubo infantile: voler raggiungere l’essere amato (magari la propria madre, che si trova al centro) e non riuscire a farlo. Ma non solo.

A sbagliar percorso, andando per labirinti, si rischia di finir male: chi alberga tra tutte quelle piante di bambù? Molto meglio non lo scoprire

In epoca medioevale i labirinti che troviamo nelle pavimentazioni delle chiese o al loro esterno, rappresentano il cammino simbolico dell’uomo verso Dio e spesso il centro del labirinto rappresenta la “città di Dio”. La funzione del labirinto dunque è quella di essere un simbolo del pellegrinaggio o del cammino di espiazione: spesso veniva percorso durante la preghiera e aveva la validità di un pellegrinaggio per chi non poteva intraprendere un vero viaggio. Alla fine però rimase semplicemente luogo per i giochi dei bambini, quindi luogo senza senso e come tali vennero abbamdonati o smantellati. Se ne appropriarono i nobili, per giochi ludici e dobbiamo aspettare l’era moderna per un ‘ritorno’ tra cui appunto la realizzazione di Fontanellato.

Per servire a tavola, pane in testa e coccodrillo al vassoio, il cameriere dev’essere in gamba

Per quanto ci riguarda noi due, io e Dalila, giunta l’ora del tramonto, concluse le visite alle mostre, salassati dal passaggio al bookshop, del labirinto ci facciamo un baffo e abbandoniamo il luogo suggestivo ma, se la vita ce lo permetterà, di certo qui torneremo e tra i viali circondati dal bambù ci avventureremo: come ci rivela la ragazza della biglietteria just no problem, “basta chiedere e per tutti una mappa in dotazione”. Bello e buono ma la suggestione del periglio e della dispersione dove la mettiamo? Insomma, arrivederci Fontanellato senza negarci, alla prossima, una visita alla Rocca Sanvitale ove c’aspetta un’opera del Parmigianino, augusto artista figlio del territorio maestro della pittura emiliana.

Giunta l’or del tramonto, usciamo dal portone sussurrando ciao, arrivederci magione di Fontanellato

I libri che sono nati per essere opere d’arte a sè stanti, per essere letti, ammirati, sfogliati in edizioni limitatissime destinate a pochi collezionisti. Tra questi Corrado Mingardi che ha donato  la sua collezione ricca di centosessanta libri alla Fondazione Cariparma, molti dei quali possono essere ammirati fino al 24 marzo (esclusi i martedì) nella mostra allestita al ‘Labirinto della Masone’, il parco culturale realizzato da Franco Maria Ricci poco prima delle porte di Fontanellato, in aperta campagna. 5000 metri quadrati destinati alla collezione d’arte di Franco Maria Ricci (circa 500 opere dal Cinquecento al Novecento) e a una biblioteca dedicata ai più illustri esempi di tipografia e grafica.

L’illustrazione di Eugène Delacroix del Faust di Goethe

  La mostra parte dall’Ottocento: nelle sale allestite ci accolgono Delacroix che illustra il Faust di Goethe e Manet con Il corvo di Poe, ma a seguire ecco Toulouse Lautrec che fa rivivere il caffè chantant con Yvette Guilbert e ancora Gustave Courbet che accompagna le pagine di Baudelaire.

Manet e Allan Poe per il poema “Il corvo”

Una vera sorpresa che gratifica il blogger per aver, del tutto casualmente, riportato in Arzyncampo il poema di Poe proprio nei giorni scorsi per cui … doppio omaggio all’artista francese con le sue riproduzioni dell’uccello un pò magico, un pò dannato, amico delle streghe, protagonista di storie ricche di mistero.

Ancora il magnifico uccello dalle penne nere rappresentato da Manet

Si strabuzzano gli occhi, non a caso, di fronte alle incisioni in legno su disegni di Edward Burne-Jones che illustrano l’opera di Geoffrey Chaucer e ci riportano in un’atmosfera divisa tra Dante e Boccaccio che, alla fine del percorso della mostra, possiamo ‘prenderne possesso’ acquistando il volume realizzato dall’editore per rendere omaggio a tutte le opere donate da Corrado Mingardi. Un vero e proprio gioiello che va ben oltre al consueto semplice catalogo e purtroppo un gioiello anche nel prezzo ma si sa, l’arte costa cara, il piacere dello sfogliarla e ammirarla anche dopo, comodamente seduti nel divano di casa illuminati dalle lucine dell’albero natalizio, val bene un sacrificio.

L’esposizione prosegue con il Novecento, l’epoca d’oro del libro d’artista. A partire dalle litografie di Pierre Bonnard, mescolate in maniera imprevedibile ai versi di Parallélement – raccolta di poesie erotiche di Paul Verlaine – per continuare con le Avanguardie. È con la loro volontà di emanciparsi dalle forme canoniche che l’oggetto libro si trasfigura, diventando una forma d’arte autonoma, alla stregua dei quadri e delle sculture. Sono in particolare i futuristi italiani, DePero in testa, a offrire gli esempi più estremi di questa scandalosa libertà, con i loro libri che impiegano non solo carta ma anche latta e bulloni.

August Rodin illustra il romanzo di Octave Mirbeau

Fino ad arrivare alla fioritura dei decenni tra il 1930 e il 1960, che ha per protagonisti i pittori dell’École de Paris: tra gli altri Picasso, Matisse del quale viene esposto anche lo stupendo Jazz, ritenuto il capolavoro assoluto dei libri d’artista.

Inevitabile anche la citazione all’opera di Georges Braque con l’omaggio al compagno d’armi Apollinaire ricordando che i poemi scelti per l’illustrazione da Braque furono composti tra il dicembre 1914 e il settembre 1915 al fronte e sono canti d’amore ancora più struggenti perchè il contatto con la morte era quotidiano,

Georges Braque ha illustrato “si je mourais là-bas” di Guillame Apollinair

Citazione infine per l’opera di un trattato di architettura di Le Courbusier: semplice trattato o l’opera di un pittore visionario? Un manifesto, forse. L’abbozzo di un mondo in cui l’armonia universale si applica a tutte le cose e riconcila la natura con le costruzioni degli uomini. Insomma, una mostra che conferma un dato: i libri non si limitano a raccontare, possono diventare arte e parlare al cuore degli uomini. Come succede a Fontanellato, nella stupenda, visionaria realizzazione, il Labirinto della Masone, voluto dall’editore Franco Maria Ricci, 81 anni vissuti in nome dell’arte.

le courbusier

Ma ritornerà pieno di gloria (particolare), olio su tela di Angelo De Bernardi

L’ideologia fascista si identificava nella fede cieca nella nazione, sintetizzandosi nel motto: Credere, Obbedire, Combattere, che accompagnava la visione eroica della guerra, proposta in modo sempre più ossessivo come naturale vocazione di un popolo dinamico.
Più che le idee, innovative furono le tecniche di condizionamento con le quali i grandi interessi che stavano dietro l’ideologia e il regime totalitario fascista riuscirono a condizionare non solo i ceti medi ma anche il proletariato: la pubblicità, la radio, i giornalini a fumetti e il cinema, le celebrazioni e le manifestazioni di massa, i dialoghi dal balcone del duce al popolo radunato in piazza, la valorizzazione del lavoro manuale attraverso le molteplici interpretazioni del duce.

Ascoltando la radio – Parla il Duce, olio su tela di Luigi Stracciari

I nuovi mezzi di comunicazione, in primo luogo la radio, consentivano di raggiungere direttamente tutti gli italiani nelle proprie case, dalla grande città allo sperduto e remoto casolare di campagna.
I discorsi del duce erano trasmessi simultaneamente nelle scuole, nelle officine, nelle piazze di tutto il paese, attraverso altoparlanti e nella misura in cui venivano ascoltati collettivamente dalle famiglie o da intere comunità erano percepiti come veri e propri eventi.

Le radio Balilla

In ascolto. Parla il Duce (bozzetto), olio su tela di Luciano Ricchetti, opera vincitrice dell’edizione 1939 purtroppo andata smembrata. In mostra esposti i frammenti ritrovati (il volto del padre, la madre con bambino, il volto del piccolo balilla, i due lavoratori affacciati sulla porta)

Un ruolo ancora più rilevante ebbero poi gli strumenti di comunicazione visiva: il cinema, la fotografia, i fumetti per la gioventù, le vignette satiriche, le cartoline postali e la pubblicità.
Nel 1933 l’istituto Luce venne posto alle dipendenze del ministero della cultura popolare con il compito di documentare le opere del regime e di diffonderne le immagini ufficiali attraverso servizi fotografici, film, documentari propagandistici e cinegiornali distribuiti nelle sale cinematografiche.

Discorso della proclamazione dell’Impero ascoltato dalla mia famiglia (particolare), olio su tela di Donato Frisia

Santa monaca domenicana, il grande dipinto attribuito a Luca Giordano presente in Santa Teresa a Piacenza

Nell’ambito delle manifestazioni organizzate nel 2018 Anno Europeo del Patrimonio Culturale, la Soprintendenza Archeologia Belle Arti e Paesaggio per le province di Parma e Piacenza, di concerto con la Diocesi di Piacenza-Bobbio, ha presentato il restauro della grande tela attribuita al pittore napoletano Luca Giordano ( 1634-1705) raffigurante Santa monaca domenicana.

La conoscenza e la tutela dei beni culturali sono attività strettamente correlate per la corretta salvaguardia del ricco patrimonio artistico e storico e demoetnoantropologico. La tutela non può avvenire senza la conoscenza, base di partenza di qualsiasi intervento volto alla conservazione del bene.
La grande tela oggi collocata nella sagrestia della chiesa di Santa Teresa, raffigura una santa monaca domenicana (Santa Caterina?) accolta in cielo dalla Vergine, tra angeli e cherubini. Il dipinto era difficilmente leggibile a causa della forte alterazione cromatica, e la stessa superficie pittorica presentava pesanti ridipinture dovute a un precedente intervento di presunto restauro.

La chiesa dedicata a Santa Teresa sul Corso Vittorio Emanuele II a Piacenza

Oggi, a restauro concluso, la tela ha riacquistato piena
leggibilità, sicché sarà possibile ragionare anche in termini di paternità del dipinto che Licia Collobi (1939) riteneva di potere assegnare al pittore bolognese Giovan Gioseffo Dal Sole (1654-1719), ma che invece più recenti acquisizioni documentarie hanno consentito di avvicinarla al catalogo del napoletano Luca Giordano, di identificare la santa domenicana in santa Caterina, e di accertarne la provenienza dalla importante collezione dell’imprenditore Pietro Ceresa, nella quale figurava già nel 1880.

Ingresso al Museo Civico Ala Ponzoni a Cremona per la mostra “Il Regime dell’Arte- Premio Cremona 1939-1941” visitabile fino al 24 febbraio 2019

Il premio Cremona si svolse per tre anni su iniziativa di Roberto Farinacci e la seconda edizione nel 1940, su indicazione dello stesso Mussolini, fu dedicata alla celebrazione della ‘battaglia del grano‘, denominazione che il regime fascista attribuiva a una serie d’iniziative, propagandistiche e di politica economica, volte all’incremento della produzione di grano sul territorio nazionale.

La nazione è poggiata sulla terra, olio su tela di Bruno Amadio

Nel 1925 l’Italia, che consumava 77 milioni di quintali di grano, ne importava circa 25 milioni, con una spesa di 4 miliardi di lire, pari alla metà del deficit della bilancia commerciale. Di fronte a questa situazione il 4 luglio 1925 Mussolini avvia una campagna propagandistica per la creazione di un “Comitato permanente del grano”: è la prima iniziativa di una serie di azioni di politica autarchica, rinvigorite, poi, nella seconda metà degli anni Trenta. Nell’iniziativa sono mobilitati, oltre il Partito Fascista, giornali, scuole, tecnici e anche il clero.

Le vagliatrici, olio su tela di Biagio Pietro Mercadante

Mussolini creatore e promotore di slogan, che oggi ci appaiono ridicoli ma che ebbero presa enorme, univa la retorica guerriera («è l’aratro che traccia il solco, ma è la spada che lo difende») a quella agraria («più profondo il solco, più alto il destino») e va ricordata l’immagine del Duce a torso nudo su una trebbiatrice mentre passa un covone di grano a una contadina di un podere appena bonificato a Borgo Pasubio nell’Agro Pontino.

La cascina, scomparto destro dell’opera Confronti, olio su tela di Remigio Schmitzer

La modernizzazione ebbe risultati notevoli nelle aree del Paese già avanzate, come la pianura padana e si saldò alla bonifica delle terre nelle aree sottratte alla palude, come la Maremma e l’Agro Pontino. A parte i successi nel tavoliere delle Puglie nel Sud invece i risultati furono più deludenti. Ma comunque nel 1931 l’obiettivo dell’autosufficienza, con 81 milioni di quintali, venne raggiunto.

Aratura, pannello laterale dell’opera Terra dorata d’Italia, olio su tela di Baldassarre Longoni

Nel complesso tuttavia è da considerarsi un’iniziativa poco fruttuosa per il fabbisogno alimentare. Le misure protezionistiche, con l’applicazione di un altissimo dazio doganale, arrivano a raddoppiare il prezzo del grano rispetto alle quotazioni del mercato internazionale. Sono incentivate le coltivazione di terreni scarsamente produttivi, aumentando i costi di produzione. Inoltre capita spesso che, per aderire all’iniziativa, vengano abbandonate colture più redditizie. L’attuazione del progetto si trasforma in un deterrente per sperimentazione e ricerca di tecniche agricole innovative. In particolare si riscontra una diminuzione sensibile della produzione di carne e latticini.

Mietitura, olio su tela, parte centrale del trittico Terra dorata d’Italia di Baldassarre Longoni

Risulta infine impoverita la dieta degli italiani, con l’insistenza sulla produzione di frumento a scapito, per esempio, di colture ritenute «vili» come i broccoli, il farro, le lenticchie, le rape.

Bonifica, olio su tela, di Alessandro Pomi

Molti italiani comunque, con l’eccezione come si diceva del Sud, risposero con entusiasmo agli inviti del regime e le opere presentate all’edizione 1940 al Premio Cremona ne sono straordinaria e talvolta entusiasmante testimonianza con appunto la possibilità di ammirarle fino al 24 febbraio al museo civico Ala Ponzone nel contesto della mostra “Il Regime dell’Arte” comprendendo, oltre a quelle esposte, altre opere all’epoca presentate ma riprodotte esclusivamente nel catalogo.

Bonifica, particolare

Balilla, olio su tela, di Innocente Salvini

Sono diverse le riflessioni che nascono a margine della mostra “Il Regime dell’Arte-Premio Cremona 1939-1941” in corso al Museo Civico Ala Ponzone della città delle tre T (Torrone, Torri e Tette salvo che qualcuno sostituisce la terza T con Tognazzi). Il primo interrogativo riguarda il fatto se l’arte possa essere condizionata dalla politica o se, n questo caso, debba essere sminuita. L’arte può essere rappresentativa di un momento storico e sociale e pertanto raccontare l’essere di un popolo e la politica non è altro che rappresentazione del sentire di un popolo o della sua parte maggioritaria. Quindi, nulla da dire ed anzi la visita alla mostra diventa eccellente occasione per conoscere emozioni e valori di quell’epoca (per fortuna) lontana e superata.

Ma ritornerà pieno di gloria, olio su tela di Angelo De Bernardi

Agghiacciante, ad esempio, l’opera di Angelo De Bernardi con l’intera famiglia che saluta l’eroico padre/marito/figlio che sale sul treno, destinazione centro di arruolamento e partenza suo malgrado (forse) per la Russia dove troverà una morte silenziosa e ingloriosa insieme ad altri 100mila giovani italiani sulle rive del Don.

Maternità, olio su tavola, di Pietro Gaudenzi

Interessante del resto i diversi riferimenti, nei dipinti a suo tempo selezionati e ammessi al concorso, al valore della famiglia per il Regime: popolazione e Regime dovevano essere uniti per portare a compimento la rivoluzione fascista, anche tramite la generazione di figli destinati a diventare soldati per il fronte o le colonie.

Battaglia del grano (particolare), tempera su tela, di Domenico Mori

Nel 1925, si ricorda, viene costituito l’ONMI, Opera Nazionale Maternità e Infanzia con lo scopo di ridurre la mortalità infantile. Promosse l’allattamento al seno, istruì all’utilizzo del latte in polvere, di detergenti e cibi per infanti ottenendo un netto miglioramento delle condizioni generali di salute dei neonati. Provvedimenti che volevano modificare radicalmente la cultura degli italiani: doveva dissolversi la distinzione tra la sfera pubblica e la sfera privata, la famiglia doveva diventare un’istituzione statale sociale e politica, la riproduzione un dovere verso lo stato, la mancata riproduzione un reato. Insomma, siamo in piena sintonia con l’obbiettivo (propagandistico) proclamato da Mussolini degli 8 milioni di baionette nelle mani di altrettanti giovani soldati da mandare a morire inutilmente in Grecia, in Albania, in Libia, in Egitto, in Etiopia, sul fronte francese, in Russia.

Il nostro pane, olio su tela, di Pina Sacconaghi

Il manifesto della mostra raffigura Cryng Girl di Roy Lichtenstein

La pop art, corrente artistica nata nella seconda metà del XX secolo, rivolge la propria attenzione agli oggetti, ai miti e anche ai linguaggi della società dei consumi ponendosi l’obiettivo di superare le convenzioni artistiche del passato. Il concetto di pop art si riferisce non tanto all’arte stessa, quanto piuttosto agli atteggiamenti che la determinano. Atta a criticare il consumismo che si diffondeva negli anni sessanta, la pop art respinge l’espressione dell’interiorità e dell’istintività e guarda, invece, al mondo esterno, al complesso di stimoli visivi che circondano l’uomo contemporaneo: il cosiddetto “folklore urbano”.

Roy Lichtenstein: Knock, Knock Poster

È infatti un’arte aperta alle forme più popolari di comunicazione: i fumetti, la pubblicità, i quadri riprodotti in serie. Il fatto di voler mettere sulla tela o in scultura oggetti quotidiani elevandoli a manifestazione artistica si può idealmente collegare al movimento svizzero Dada, ma completamente spogliato dalla carica anarchica e provocatoria.

Roy Lichtenstein, I love liberty

La sfrontata mercificazione dell’uomo moderno, l’ossessivo martellamento pubblicitario, il consumismo eletto a sistema di vita, il fumetto quale unico, residuo veicolo di comunicazione scritta, sono i fenomeni dai quali gli artisti pop attingono le loro motivazioni. In altre parole, la pop art attinge i propri soggetti dall’universo del quotidiano – in specie della società americana – e fonda la propria comprensibilità sul fatto che quei soggetti sono per tutti assolutamente noti e riconoscibili.

Tom Wesselmann: Smoker

La rappresentazione degli hamburger, delle auto, dei fumetti si trasforma presto in merce, in oggetto che si pone sul mercato (dell’arte) completamente calato nella logica mercantile (un’opera di Lichtenstein vale milioni di dollari). Ciò nonostante gli artisti che hanno fatto parte di questo movimento hanno avuto un ruolo rivoluzionario introducendo nella loro produzione l’uso di strumenti e mezzi non tradizionali della pittura, come il collage, la fotografia, il cinema, il video e la Musica.

Roy Lichtenstein, Little Aloha

L’appellativo “popolare” deve essere inteso però non come arte del popolo o per il popolo, ma più puntualmente come arte di massa, cioè prodotta in serie. E poiché la massa non ha volto, l’arte che la esprime deve essere il più possibile anonima: solo così potrà essere compresa e accettata dal maggior numero possibile di persone.

Allan D’Arcangelo: Smoke Dream I

Tra i maggiori rappresentanti del genere troviamo appunto Roy Lichtenstein, che si richiamò al mondo dei fumetti,  e che possiamo ammirare a Mamiano dove sono esposte circa 80 opere alle quali se ne aggiungono altre come esempio del movimento artistico nel suo complesso e in particolare da citare il volto di Marilyn Monroe, uno dei tantissimi realizzati da Andy Warhol.

Mel Ramos, Doll

Andy Wahrol, altro maestro riconosciuto della pop art, regista cinematografico, trasformò l’opera d’arte da oggetto unico in un prodotto in serie, come nella celebre serie dei barattoli di zuppa di pomodoro Campbell, con la quale egli confermò, di fatto, che il linguaggio della pubblicità era ormai diventato arte e che i gusti del pubblico si erano a esso uniformati e standardizzati.

Andy Warhol: Marilyn

Insomma, Roy Lichtenstein (New York 1923-1997) è, insieme a Andy Warhol, la figura più rappresentativa e più conosciuta della Pop Art, e dell’intera storia dell’arte della seconda metà del XX secolo. Il suo caratteristico stile mutuato dal retino tipografico, il suo utilizzo del fumetto in ambito pittorico, le sue rivisitazioni pop dell’arte del passato lontano e recente sono entrate non solo nella storia dell’arte del Novecento, ma nell’immaginario collettivo anche delle nuove generazioni, stampati all’infinito su poster e oggetti di consumo. A distanza di decenni i suoi dipinti continuano a suscitare enorme interesse nel mercato dell’arte e sono stati venduti anche negli ultimi anni per decine di milioni di dollari. Il passaggio nella ‘Villa dei Capolavori’ a Mamiano dunque diventa obbligo per incontrare questa forma di espressione artistica che, sicuramente, va approfondita nel suo senso rivoluzionario generatore di cambiamento del significato stesso dell’arte e dei suoi modi di espressione.

Sulla parete a sinistra Flowers di Andy Warhol. Sullo sofndo Wall Explosion II di Roy Lichtenstein